En 2016, sous la direction de Cristiana Collu, la Galerie Nationale d’Art Moderne et Contemporain de Rome a rouvert ses portes, complètement renouvelée dans son aménagement et sa conception de l’art. L’une des opérations les plus révolutionnaires de la directrice a été sans aucun doute l’exposition The time is out of joint, une réflexion sur le temps qui a débuté avec The lasting. Elle a ainsi ouvert un vaste débat sur le dépassement d’un système d’exposition traditionnel, chronologique, en faveur d’un modèle fondé sur l’idée « d’un temps qui doit être recomposé, ‘remis à l’endroit’. Cette recomposition au travers de l’exposition tisse, en coexistence simultanée, de nouvelles relations inattendues dans l’espace symbolique du musée. Ces relations ne répondent pas aux lois orthodoxes et codifiées de la chronologie et de l’histoire (de l’art), au contraire s’en affranchissent et se libèrent dans une sorte d’anarchie, qui n’a rien à voir avec le désordre, mais fait davantage appel à quelque chose d’autre qui précède les règles et les normes».
L’idée de changement et de « soin » a en outre guidé le nouvel aménagement du musée. Dans la première phase de sa mission, Collu a en effet travaillé sur le musée en tant que bâtiment, sans négliger les aspects de gestion et d’organisation, combinant ainsi le programme d’exposition avec les besoins spécifiques d’un public délibérément plus large. L’opération sur le bâtiment a consisté à éliminer les couches, les superfétations, les interventions successives qui avaient modifié les parcours de la Galerie nationale et qui concernaient la partie centrale, la récupération des deux cours latérales devenues des jardins utilisables, la Salle des Colonnes, la nouvelle disposition de l’entrée monumentale.
« Un type d’opération qui s’inscrit dans un processus traduit par une soustraction. De même que la musique est en rythme ou en contretemps, cette opération est une sorte de contretemps, une soustraction, semblable à un travail archéologique pour aller à la source. J’ai essayé d’arriver à cette sorte de configuration originelle, la configuration architecturale du lieu. Tout ce que j’ai fait, c’est ramener l’architecture en pleine lumière. À cela s’ajoute une vision contemporaine de l’hospitalité : les personnes qui arrivent se sentent accueillies, c’est un espace qui ne vous demande pas immédiatement d’acheter un billet d’entrée, il ne s’impose pas à vous, c’est plutôt vous qui entrez et comprenez intuitivement comment l’utiliser. C’est une sorte de filtre, où l’on comprend que l’on peut rester, non pas pour parcourir le musée, mais pour l’habiter temporairement ».

Cristiana Collu était auparavant directrice du Mart (2011 - 2015) et du MAN à Nuoro (1999 - 2011). Elle a fait partie du jury de la 58e Biennale d’art de Venise en 2019, du groupe de travail « Women for a New Renaissance » et de la commission royale pour la ville de Riyad. Elle fait partie du comité scientifique de la collection Farnesina. Docteure en muséologie et en muséographie, elle a enseigné dans plusieurs universités. Le magazine Edra l’a rencontrée pour discuter des thèmes du « soin » et de l’hospitalité dans le musée, ainsi que de la relation entre l’art et le design.

"DE MÊME QUE LA MUSIQUE EST EN RYTHME OU EN CONTRETEMPS, CETTE OPÉRATION EST UNE SORTE DE CONTRETEMPS, UNE SOUSTRACTION, SEMBLABLE À UN TRAVAIL ARCHÉOLOGIQUE POUR ALLER À LA SOURCE. J'AI ESSAYÉ D'ARRIVER À CETTE SORTE DE CONFIGURATION ORIGINELLE, LA CONFIGURATION ARCHITECTURALE DU LIEU. TOUT CE QUE J'AI FAIT , C'EST RAMENER L'ARCHITECTURE EN PLEINE LUMIÈRE"
CRISTIANA COLLU

Quel esprit et quelle vision ont guidé votre direction de la Galerie nationale d’Art moderne et contemporain ! Comment pensez-vous que la fonction de conservateur de musée a changé aujourd’hui ?

Action speaks louder est une phrase dont je me suis toujours sentie très proche, c’est ma façon de prendre la parole en accord avec ma façon d’être, d’interpréter et de traduire une vision consciemment et nécessairement partielle qui peut exprimer une certaine vérité qui ne peut être trouvée qu’à travers l’exploration et l’expérimentation, le risque et la prise de responsabilité. Cette position crée un espace de dialogue et de dialectique, au sein de ce qui, aujourd’hui, se configure comme l’un des derniers espaces non virtuels pouvant accueillir cet exercice de participation et de partage, une voix collective qui se réfère à la communauté. Personnellement, je ne connais pas d’autre façon de faire son temps que d’être sur le présent, pas seulement en suivant le rythme, mais en marquant le temps. J’ai commencé par l’architecture et la lumière. J’ai essayé de redécouvrir l’esprit de ce lieu et à partir de là, j’ai commencé à concevoir une possibilité pour la Galerie nationale et sa collection, de son activité d’exposition. Je me suis occupée de relations peu orthodoxes, sans attaches et, dans une certaine mesure, anarchistes, en accord avec une certaine tradition féminine, qui n’a rien à voir avec le désordre, mais plutôt avec quelque chose qui passe avant la norme et les lois et qui donne beaucoup d’espace à l’imagination et à l’intuition. C’est ce que la Galerie raconte à son public et il me semble qu’ils se comprennent parfaitement, les gens ont une compétence et une sensibilité incroyables par rapport aux lieux et à leurs fréquences énergétiques, se sentir bienvenu et être à l’aise est un système délicat de relations.

Ces dernières années, sous sa direction, la Galerie nationale a porté son attention sur les femmes. Pouvez-vous nous parler brièvement des initiatives et des expositions les plus représentatives ?

Il n’y a pas de vision qui ne soit orientée, qui ne prennent position ; il n’y a pas de regards sans trajectoires ni de trajectoires sans relations. J’aime les sorcières, les filles terribles, désobéissantes et réticentes, accrochées au désir, faisant la différence, agissant en faveur d’un temps à venir. Je crois qu’il y a énormément de travail à faire, c’est pourquoi la Galerie nationale depuis 2015 a concentré son attention sur les femmes, consciente qu’il y a beaucoup de problèmes à résoudre et qu’ils ont tous un dénominateur commun : l’inégalité. Le développement d’une muséologie de notre temps devrait certainement aborder de nombreuses autres questions telles que celles liées au genre, au pouvoir, à la famille, au travail, à l’environnement et à la durabilité. Nous devons être conscients que lorsqu’un sujet est brûlant, il est peut-être impossible de le traiter de manière aseptique et non idéologique, et que pour en parler et changer les choses, il faut se salir les mains. Mais ce dont je suis sûr, c’est que cette version du monde n’est pas celle que je veux, et je veux faire ce que je peux pour en construire une autre. Au début de l’année 2021, l’exposition Io dico io — I say I a surtout mis l’accent sur la nécessité pour les femmes de parler à la première personne du singulier, d’affirmer leur propre subjectivité, de déboulonner les stéréotypes et de dessiner une cartographie en constante transformation. Avec l’exposition Cosmowomen. Places as Constellation, avec sa représentation monumentale et imaginative de véritables constellations de sens à travers la recréation symbolique d’espaces illimités, fait bouger une révolution architecturale, une vision politique et un credo écologique.

"LE DESIGN CONTEMPORAIN QU'EDRA REPRÉSENTE DE MANIÈRE EXEMPLAIRE A APPORTÉ DE LA PERSONNALITÉ, DE L'ESTHÉTIQUE, DE LA COULEUR, COMBINANT LE CONFORT ET AVEC QUELQUE CHOSE DE MOINS NÉCESSAIRE MAIS TOUT AUSSI INDISPENSABLE: LE LUXE"
CRISTIANA COLLU

Le design est entré de plein droit à la Galerie nationale, avec, par exemple, l’exposition On Flower Power organisée par Martí Guixé, mais aussi avec la vague d’un concept renouvelé d’accueil au sein des musées et des lieux institutionnels. Guixé a également été chargé de l’aménagement de la librairie, du bureau d’accueil et du bar. Pourquoi et comment la combinaison de l’art et du design est-elle appréciée aujourd’hui ?

L’idée de projet est le dénominateur commun de toute vision. Dans le cas de ma collaboration heureuse et durable avec Marti Guixé, designer et visionnaire hors pair, j’ai pu explorer de nombreux aspects d’un monde fascinant qui tente toujours de concilier une certaine idée de la beauté avec la fonctionnalité et l’utilité, avec la joie et l’irrévérence, avec l’audace et la déférence, en un mot avec l’intelligence. Cette vision est devenue une partie essentielle de mon travail, l’un des outils clés qui m’a permis de réaliser des opérations muséologiques complexes, mais flexibles, instinctives et toujours de grande envergure.
On Flower Power a montré cette réconciliation et exposé la recherche dans sa réalisation, l’intuition de quelque chose qui échappe encore, l’ouverture heuristique, la « connaissance accidentelle ». Comme si ce qui est rendu dans la salle du musée était encore en devenir, encore suspendu, sans taxonomie.

Edra est devenu un partenaire de la Galerie nationale. Aujourd’hui, à l’intérieur des salles, les chaises Gilda B et le divan Flap accueillent les invités. Vous avez reçu les collections pour certaines séances de photos et utilisé des produits dans certaines installations. Pouvez-vous nous donner votre point de vue sur l’entreprise ?

Edra est un monde imaginatif enraciné dans la culture italienne, dans le savoir-faire artistique, dans la tradition du design et dans son entrelacement d’art, d’architecture, de nature et de paysage, c’est pourquoi nous avons toujours trouvé une harmonie sans préambule avec Monica Mazzei.
À un certain moment, les assises design ont commencé à peupler les musées, et n'ont souvent remplacé que temporairement, les bancs traditionnels conçus non pas tant pour la contemplation que pour le repos. Dans de nombreux cas ils ont également été éliminés de l'intérieur des salles. L’augmentation de la fréquentation, et donc du public devant les œuvres les rendait inutiles au regard de leur fonction initiale. Indiquant une nouvelle façon de visiter un musée, le design contemporain qu'Edra représente de manière exemplaire a apporté de la personnalité, de l’esthétique, de la couleur, combinant le confort et avec quelque chose de moins nécessaire mais tout aussi indispensable : le luxe. Une forme amusante, une douceur inattendue, une invitation à rester immobile dans l'espace du musée, voire simplement à contempler, dans ce contexte incroyable et à se sentir non seulement accueilli, mais en faire partie. C'est ce que je voulais dans les musées que j'ai dirigés. Ce chemin, Edra l’a partagé et accompagné, même à l'occasion des expositions les plus difficiles, telles que La Guerra che verrà non è la prima au Mart de Rovereto, comme points de référence dans l'exposition Lost in landscape toujours au Mart, et enfin à la Galerie Nationale, à l'intérieur de ce dispositif extraordinaire qu'est Time Is Out of Joint.

Laura Arrighi Architecte, docteur en design, rédactrice web et éditrice indépendante. Elle s'occupe principalement de décoration d'intérieur, de design et de mode, avec un intérêt particulier pour les phénomènes d'hybridation des différentes domaines. Elle se consacre à l'écriture, à la recherche, à l'enseignement et à la conception, en collaborant avec des institutions et d'importants cabinets d'architects italiens. Photo: Pietro Savorelli